Artistas
Enrique Pichardo presenta Pasarela, una exposición de arte mexicano que celebra a la mujer
Enrique Pichardo (@pichardoegea) presenta su exposición de arte mexicano “Pasarela”, donde hace un homenaje a las mujeres mostrándolas con diferentes atuendos al estilo Pichardo.
La exposición de arte mexicano que regresa a las mujeres lo que los hombres le han arrebatado a lo largo de la historia
“Es como poner en un lugar de excelencia, en un lugar que necesita tener y le han robado…creo que es tiempo de que la mujer tome la media parte del mundo que le corresponde”. Con estas palabras es como el artista plástico Enrique Pichardo comienza a conceptualizar la idea de pasarela como una oportunidad para admirar la energía femenina que nos hechiza a todos. Una pasarela se define como un pasillo estrecho destinado al desfile de modelos y también artistas. Si bien tanto hombres como mujeres llevan a cabo esta práctica, el interés por la figura femenina mostrando su belleza y atuendos está en el imaginario de los artistas desde tiempo atrás. Cuando se habla del pasado, realmente se está apuntando muy atrás dentro en la historia de la humanidad, pues desde el paleolítico existen pequeñas Venus de piedra que buscan emular la magnificencia otorgada por el cuerpo femenino. Esta serie de pensamientos provienen de la mente de Enrique Pichardo para dar como resultado una exposición de arte mexicano que representa la admiración que se ha tenido por la mujer como representación artística, aunque también es un mensaje para todos los hombres que siguen acaparando un protagonismo social que no les corresponde.
La liberación femenina representada por una exposición de arte mexicano
Aunque el principio básico de lo que es una pasarela se mantiene por parte de Enrique Pichardo y su exposición de arte mexicano, hay que tomar en cuenta que este artista plástico tiene una visión muy particular del mundo que se puede descifrar conociendo varias de sus obras. En ese sentido “Pasarela” es un homenaje a la mujer al ser ella el foco central de las piezas artísticas que se distinguen por tener el sello característico de su autor en cada rincón. El razonamiento de Pichardo va mucho más allá de un simple regaño a muchos hombres–que también les hace falta–, pues él piensa que no debería haber pugna entre el hombre y la mujer, pues ambos son un complemento. Lo que sí es completamente cierto es que la energía femenina es muy maltratada en la historia de la humanidad. Se trata de una enfermedad social a causa que a veces deja al margen a muchos atributos femeninos como la sensibilidad, la creatividad y receptividad. Incluso se podría decir que en este momento la raza humana está intentando rescatar su lado femenino.
La exposición de arte mexicano “Pasarela” gira alrededor de la mujer
A partir de una exposición individual, Enrique Pichardo busca que la gente encuentre un grado de intromisión significativo respecto a cada una de sus obras que se van hilando a partir del concepto de pasarela. Esta exposición de arte mexicano resulta ser una gran oportunidad para conocer a fondo la identidad del artista, esto a diferencia que lo que podría conllevar una exposición colectiva donde es posible obtener una probadita de cada artista a manera de invitación para conocerlo más a fondo en muestras futuras.
La Pasarela de Enrique Pichardo, una exposición de arte mexicano
Si bien el tema central de la exposición de arte mexicano de Enrique Pichardo va sobre las mujeres, también trae consigo un pequeño guiño hacia las raíces del artista, pues él cuenta que una de las principales fuentes de inspiración para esta obra, fue ver como sus hermanas coleccionaban muñecas y las cambiaban de ropa, incluso hace una reflexión sobre cómo esa actividad se encontraba al alcance de toda clase social pues las papelerías de la CDMX albergaban las conocidas muñecas de papel acompañadas de ropa con unas pequeñas pestañas que hacen posible vestirlas. Bajo este principio, la construcción de esta serie de diez piezas comenzó con un montón de muñecas sin ropa plasmadas en un lienzo, luego cada una fue adoptando una vestimenta diferente, es así como cada pieza adquiere primero el nombre de “Señorita” y luego se acompaña de una descripción de la vestimenta que está usando. Los detalles en cada vestido muestran la genialidad de Pichardo en su máxima expresión.
Visitar la Pasarela de Enrique Pichardo es disfrutar de su homenaje personal a las mujeres en una exposición de arte mexicano.
La exposición de arte mexicano “Pasarela” de Enrique Pichardo puede verse físicamente en “BLANCO COLIMA”, Colima 168, Roma Norte en la Ciudad de México, si no puedes asistir también puedes apreciar a las muñecas de este artista plástico @pichardoegea. Cualquier comentario respecto a esta serie de obras o el trabajo de Enrique Pichardo será bien recibido, ¡Anímate a darnos tu opinión!.
El arte LGBT+ y el orgullo
El arte LGBT+ tiene lugar en México desde la década de los 80. Con el pretexto de celebrar el amor y estar orgullosos de quienes somos, hoy te mostraremos parte del talento artístico que podrás encontrar dentro de la comunidad LGBT+ mexicana. Como el catálogo histórico de creadores con esta característica es muy diverso, es preciso hablar tanto de un artista del pasado, como de dos contemporáneos.
Julio Galán, un artista histórico
Me quiero morir (1985), Colección Particular
Julio Galán(1958-2006) fue un creador de arte LGBT+, conocido por su personalidad excéntrica y por ser un exponente del neomexicanismo. Se trata de un movimiento artístico que se caracterizó por la recuperación de los símbolos del país, pero con estética kitsch.
Mientras Me Despierto (1985)
Nacido en Coahuila, pero radicando en Monterrey, Galán innovó a los 20 años con una obra de recursos poco usados. Dicha pintura mostraba la subversión del estereotipo del hombre mexicano. Uno de los aspectos que más se conoce sobre la vida de Julio Galán, es que vivió en Nueva York, algo que le permitió entablar una amistad con Andy Warhol.
Cuatro Palabras(1999)
Arte LGBT+ popular con Fabian Chairez
Fabian Chairez (@fabian_chairez)es un artista chiapaneco contemporáneo, popularmente conocido por una representación de Emiliano Zapata a caballo, desnudo y con tacones. Y aunque su obra es mucho más que una pintura polémica, es importante mencionarla, pues se expuso en el Palacio de Bellas Artes.
Así como el controversial Zapata, la obra de Cháirez gira en torno al cuerpo masculino y el mundo LGBT+. Su idea es plasmar un cuerpo que se sale de arquetipos y estereotipos. De esta manera el artista pone en posturas sugerentes a luchadores, pandilleros, charros y narcotraficantes. Sin duda un fuerte mensaje que busca responder al entorno hostil de la diversidad sexual.
Mario Mucho, un ilustrador orgulloso
Mario González González, mejor conocido como Mario Mucho(@mariomucho), es ilustrador y artista conocido por su particular estilo. El trabajo de Mario refleja un cariño inminente que nos lleva a reflexionar sobre la discriminación. 
La ilustración de Mario mucho va más allá de simplemente hablar de amor y homoerotismo, pues también aborda problemáticas sociales como la pobreza, migración y explotación de recursos naturales entre otros. Para Mario es importante mostrar diferentes cuerpos que se representan erotizados, esta es la base de la críticas sociales en su obra.
El arte LGBT+ cuenta con muchos representantes tanto a nivel internacional como nacional, por lo que es importante reflexionar sobre el valor los diferentes mensajes sociales que abordan. Por lo pronto te recomendamos seguir la actividad de estos artistas mencionados. Por otro lado, si quieres conocer a más artistas mexicanos con un estilo alucinante, te recomendamos dar clic aquí.
El arte expresivo y la historia de Luis Fernando Zánches
Luis Fernando Zánches (@lf_zanches) es un exponente del arte expresivo en la Ciudad de México. Las obras de este joven artista traen consigo un par de lecciones a las que muchos deberíamos poner atención. Si bien su vida estuvo rodeada de arte desde muy temprana edad, Zánches tuvo que pasar por todo un proceso para darse cuenta que debía volcarse hacia las creaciones artísticas. En la parte académica Luis Fernando era un típico caso de niño distraído que no se podía adaptar al modelo educativo tradicional. Sin embargo, la falsa convención del deber ser lo llevó a forzar su camino hacia la carrera de derecho.
Aquí se vislumbra la primera lección, pues si él hubiera dejado que el entorno social lo dirigiera, hoy no habría un artista del cual hablar. Siempre es importante tener en cuenta que si a un niño no le va bien en la escuela, esto de ninguna manera define lo que será el resto de su vida. Simplemente hay que poner atención en sus posibles talentos a desarrollar y entregarle la confianza para hacerlo.
El despertar del arte de Zánches en una cafetería
Tras haber concluído con su carrera en derecho, Zánches pudo conocer el ambiente laboral de los abogados, algo que lo hizo cuestionarse si realmente eso era lo que quería hacer por el resto de su vida. Con miedo e incertidumbre, el en ese momento futuro creador decidió renunciar para buscar algo que lo motivara de verdad. La prueba y error lo llevó a conseguir otro trabajo modesto en una cafetería en el Reino Unido. 
Durante este periodo, la compañía de una libreta de dibujos le ayudaba a matar el tiempo. Fueron las reacciones positivas de los clientes, los que le hicieron ver que podía haber algo especial en sus trazos. Es de esta manera como las mangas de cartón para no quemarse con el café, pasaron a ser intervenidas por el artista y firmadas con su cuenta de Instagram. Al poco tiempo, una galería local lo buscó para ofrecerle exponer su trabajo.
Con lo anterior aparece la segunda lección que nos deja Luis Fernando: Nunca es tarde para ir en busca de tu lugar en este mundo. Aunque a veces no se tenga claro el camino a seguir, estar abierto a nuevas posibilidades tarde o temprano te ubicará en donde quieres estar. Al regresar a México este creador se dedicó a estudiar técnicas mixtas y a perfeccionar su estilo.
Hoy dentro del arte expresivo de Zánches (@lf_zanches) se puede encontrar el dibujo, la pintura, el arte-objeto, la intervención fotográfica y el arte digital. Pasando de los dibujos caricaturescos al realismo, la nueva esencia de este artista agrega experimentación para crear personajes abstractos a los que él mismo nombra como monstruos. Hay muchos artistas mexicanos que destacan en su disciplina, si quieres conocer a otro talento de éstos, te recomendamos entrar aquí.
El Surrealismo Mexicano de Carrington
Leonora Carrington(1917-2011) fue una pintora británico-mexicana, pionera del surrealismo mexicano, feminista y fundadora del Movimiento de Liberación de La Mujer Mexicana. La obra de esta artista abarca escultura, pintura y escritura. La visión de Leonora en los distintos campos artísticos, provocó que el simbolismo femenino fuera reinterpretado dentro del movimiento surrealista. Si bien el nacimiento de Carrington sucedió en Inglaterra, la naturalización como mexicana fue un paso lógico. A fin de cuentas, Carrington pasó la mayor parte de su vida en México y su obra es resultado de una exploración de materiales suscitada en tierra azteca. Por otro lado, su relación sentimental con el creador cubano Max Ernst y colaborar con artistas como Remedios Varo, también fue fundamental para el desarrollo en el estilo de Carrington.
Retrato de Max Ernst (1936), Leonora Carrington
Surrealismo mexicano: Leonora Carrington y sus primeros años
Leonora Carrington tiene un estilo artístico muy atrevido y extraño. Como ya se ha anunciado, el camino de Leonora Carrington está cargado de surrealismo. Nacida en una rica familia británica, la primera pintura de Carrington ocurrió a los diez años de edad. Tras su acercamiento con el arte, no tardó mucho para que la joven artista decidiera rebelarse contra el status quo y dejar su vida refinada para dedicarse al arte. En el proceso de Leonora, las experiencias surrealistas iban desde huir de los nazis en Francia, y hasta pasar un periodo de tiempo en instituciones mentales. La inspiración para el surrealismo mexicano posterior se estaba gestando durante esta época. Tras estos sucesos tempranos, Leonora Carrington comenzaría su incursión en el surrealismo como corriente artística y literaria.
Autorretrato (1937-38), Leonora Carrington
La obra de Carrington en México
Para 1939, Leonora ya había inclinado su vida por una carrera artística con apoyo moderado por parte de su madre y nulo por el lado de su padre. Aún así Carrington ya había dado sus primeros pasos en el surrealismo, pues su relación con Max Ernst había terminado. Durante su unión con Ernst, Leonora pudo familiarizarse con la obra de otros artistas surrealistas como Salvador Dalí, Joan Miró o Marcel Duchamp. Tras su relación con Ernst, Leonora fue internada en una institución mental por parte de sus padres. En un intento por huir, la artista se refugió en la Embajada Mexicana en Lisboa. Fue en ese momento cuando Carrington conoció al embajador y amigo de Pablo Picasso. Se trataba de Renato Leduc, quien se casó con Leonora y la llevó a México para darle la protección necesaria al ser esposa de un diplomático.
Cocodrilo (2000), Leonora Carrington
Para 1943, Leonora Carrington ya amaba el surrealismo mexicano, algo contrario a lo que sentía por Leduc y que provocó su divorcio. Fascinada por la historia, las tradiciones y el folklore mexicano; Carrington adoptó su nueva cultura. Es a partir de este momento cuando se le comienza a considerar una artista mexicana. La intromisión en el surrealismo mexicano llevó a Carrington a crear grandes obras como el mural “El Mundo Mágico de los Mayas” (1963), hecho para el Museo Nacional de Antropología. Durante este momento Carrington también comenzó a resignificar la figura femenina en sus obras, así como también fundar los primeros movimientos feministas en el país. La historia de Leonora Carrington y el surrealismo mexicano es fascinante, si quieres leer más sobre artistas, te recomiendo dar clic aquí.
El mundo mágico de los Mayas (1963), Leonora Carrington
