Mundo del Arte
Artistas visuales en el punk rock: La obra de Dee Dee Ramone
Artistas visuales y la influencia de The Ramones
Como una de las bandas de punk más influyentes en la historia del género y creadores absolutos del estilo punk rock, The Ramones fue una banda de Queens Nueva York. Ellos demostraron que la trascendencia en la escena musical no debe estar sujeta a la virtuosidad para tocar. Las composiciones de esta banda eran muy simples, repetitivas y casi minimalistas, algo que era muy controversial en su momento. Sin embargo la construcción de su identidad y su afinidad con el público fueron clave para estar hablando de ellos a más de cuarenta años de su fundación.
No olvidemos que los Ramones lideraron la primera ola del punk en el legendario CBGB de Nueva York junto a Patti Smith, The Talking Heads o Television. Esto hace de los Neoyorquinos una banda inigualable. Se trata de una propuesta que pone su arte al alcance de todos, pues tanto las música como la estética visual de la banda son algo de lo que cualquiera puede apropiarse. Es así como a partir de una chamarra de cuero y unos pantalones de mezclilla, The Ramones se convirtieron en el símbolo de la expresión artística alcanzable.
El estilo de los Ramones se trasladó al mundo del arte
Joey, Johnny, Tommy y Dee Dee son los nombres de los integrantes originales de The Ramones, una alineación que fue cambiando con el paso de los años y hasta encontrar su punto final tras la muerte de todos ellos. Musicalmente lo único que queda de esta banda son Marky, Richie y CJ, tres integrantes que se unieron tiempo después a la banda, pero que aún así vivieron muchos años como parte de la histórica agrupación de Queens.
Tanto Joey como Johnny Ramone gozaban de ser los personajes principales de la banda, el primero con su voz inconfundible y el segundo con su forma tan práctica de tocar la guitarra. Tommy se encargaba de la batería, mientras que Dee Dee tocaba el bajo y también sentía inquietud por el trabajo de artistas visuales. De hecho es gracias a este último es que el estilo punk rock pasó a formar parte de otras disciplinas artísticas.
Dee Dee Ramone, el más discreto de los artistas visuales
Douglas Glenn Colvin, fue el bajista de The Ramones hasta que en el año 2002 perdió la vida por abuso de sustancias. Popularmente conocido como Dee Dee, este integrante de la banda fue también rapero, novelista y pintor, se podría decir que tenía un espíritu creativo que no podía ser contenido en un solo medio. Tras la muerte de esta figura del punk rock, su esposa Barbara Ramone Zampini se encargó de reunir una serie de obras que él fue dejando con sus diferentes amigos. Por suerte la mayoría de ellos pudieron ser recuperados para certificar el nombre de Dee Dee Ramone dentro del mundo de los artistas visuales. Actualmente el arte del bajista de The Ramones ha podido ser apreciado en ciudades como Los Ángeles y Nueva York. También podemos encontrar una pequeña muestra de sus obras dentro de la página web del artista.
Dee Dee Ramone, una obra repleta de crudeza
La obra de Dee Dee Ramone funciona como un testigo fundamental del desarrollo de la escena punk en Nueva York. Con trazos caricaturescos que remiten al legendario Basquiat, Dee Dee muestra diferentes representaciones que van de la mano con su música, lo que más se destaca son los retratos que realizó sobre sus amigos tanto de su banda, como de personajes pertenecientes a proyectos históricos. Si bien la mayoría de la obra de Dee Dee es posesión de su esposa, cabe destacar que existe una pieza en particular que se encuentra a la venta en Ebay. Se trata de un retrato del bajista de los Sex Pistols, Sid Vicious, un pedazo de historia que puedes tener en tu casa por tan sólo 6600 USD.
Aparte de ese valioso retrato de Sid Vicious que está al alcance de cualquiera que pueda pagarlo, también destacan obras como un retrato de Johnny Ramone en un estilo que nos remonta a la portada de la película “Rock and Roll High School”, protagonizada por la banda en 1979. Más allá de los retratos, la ficción también era recurrente en las pinturas del icono de punk rock, pues de vez en cuando se pintaba con unas alas de dragón, mientras que en otras un ser mitológico se encarga de arrancarle la cabeza. 
Las pinturas de Dee Dee Ramone, trasladan la escénica del punk rock al escenario de los artistas visuales, pues aunque estén cargadas de color, no dejan de ser dibujos burdos, casi bocetos que resaltan el lado más primitivo del artista, tal y como si estuviera tocando el bajo. Si quieres saber más sobre músicos que también pintan, te recomendamos nuestro artículo sobre el Dr Alderete como parte de la identidad visual del rock latinoamericano.
El collage artístico y los rostros de Wheatcroft
Shane Wheatcroft es el creador del collage artístico y también un artista plástico con base en Kent, Reino Unido. Si bien este artista había dedicado gran parte de su carrera, fue hasta tiempo después que descubrió su vocación a través de unas revistas viejas. El enfoque de Wheatcroft suele ser desordenado y accidental. Las cosas simplemente suceden en en lienzo. Con la estética vintage y el surrealismo como máximo estandarte, las piezas del británico se muestran en forma de collage. Es de esta manera como a través de recortes antiguos podemos echar un vistazo dentro de la cabeza de personajes casi tan desordenados como el mismo artista. Las obras reflejan un mundo alucinante, donde los cuerpos humanos se convierten en espejos deformantes y escenarios que albergan múltiples historias.
Estética vintage en el collage artístico
Las influencias del collage artístico de Wheatcroft, recorren a Andy Warhol, Linder Sterling, Jamie Reid y también las revistas, libros y catálogos de los años 1945 a 1970. El autor de este estilo se dice encantado por los colores y técnicas de impresión de esa época. Por otro lado no se puede olvidar que esta es una forma muy original de reciclar papel que lleva más de 50 años acumulando polvo. Al observar las obras de Wheatcroft, resulta imposible no pensar en juegos como el cadáver exquisito y corrientes como el dadaísmo. Ninguna de las obras son visualizadas como antelación, aunque si hay algunos elementos que podemos ver constantemente.
La composición de la obra de Wheatcroft
Fascinado por el glamour y lo cotidiano, el collage artístico se construye como si fuera un rompecabezas. El artista normalmente comienza por encontrar el cartel adecuado, de preferencia que muestre a una figura humana en primer plano. Luego es momento de encontrar un fondo para así delinear el interior de la cara. Finalmente viene la adición de detalles como lo pueden ser sofás o mesas que aportan sustancia al espacio. Una vez que se definen los personajes, la historia nace. A menudo Wheatcroft tiene en la mente una canción o fragmentos de ella, eso le da pistas sobre lo que debería llevar su collage.
Uno de los sellos característicos de Wheatcroft, es incluir un ojo humano en todas sus piezas. Al incluir este elemento, el artista lo toma como una forma de devolver dimensión humana a una pieza distorsionada. La fascinante obra de Wheatcroft, se suma a nuestro catálogo sobre artistas con piezas poco usuales. Si quieres leer más sobre uno de ellos, haz clic aquí.
Arte y fútbol van de la mano aunque no lo parezca
La relación entre arte y fútbol es muy estrecha a lo largo de la historia. Desde sus primeros años, el balompié es un deporte que despierta sensaciones únicas que van ligadas con un sentido de pertenencia, comunidad y el gusto por apreciar el deporte mismo. La pasión desenfrenada en el deporte más popular del mundo, se podría decir que dividió a sus seguidores en dos corrientes: Una constructiva y una destructiva. Esta segunda es producto de una afición cegada por sus colores, algo que los ha llevado a arriesgar su vida y recurrir a la violencia en defensa de su club. Aunque el antecedente histórico se remonta al hooliganismo de Inglaterra, cada país tiene sus propios problemas derivados de conductas antideportivas. Por otro lado, la corriente constructiva es la que dió lugar a la mezcla entre arte y fútbol.
La mezcla histórica entre el arte y fútbol
Es evidente que con una millonada de seguidores en todo el planeta, las expresiones artísticas no se harían esperar. Hoy probablemente el recurso más usado para inmortalizar el fútbol, es el audiovisual. Como ejemplo de esto podemos ver a nuestro alcance documentales sobre diferentes equipos. Incluso se ha construido ficción con base en el sistema de competencia, esto lo podemos ver en series como Ted Lasso de Apple TV, o Club de Cuervos en Netflix. Sin embargo para hablar de arte y fútbol, es necesario remitirnos al su lugar de origen y a fechas cercanas a ese suceso. A continuación revisaremos dos obras diferentes que hacen alusión al fútbol inglés y su afición.
L.S. Lowry, Going to the Match (1923)
Lowry (1887–1976), fue uno de los pintores británicos más populares del siglo XX. Este creador que combina arte y fútbol nació en Old Trafford, Stretford. Un territorio conocido por ser la casa del Manchester United. Sin embargo, el destino hizo que Lowry se hiciera fanático del archirrival Manchester City. Sus lienzos capturan los rituales en la vida de la clase trabajadora. Probablemente el más importante de ello, era correr a un partido de fútbol durante un frío sábado por la noche.
L.S. Lowry, Going to the Match (1923)
William Reginald Howe Browne, Wembley (1923)
Pasamos de Manchester a Londres para hablar del torneo más viejo del mundo, testigo de una gran pieza de arte y fútbol. La construcción del estadio Wembley se completó cuatro días antes de que recibiera la final de la FA Cup entre el Bolton Wanderers y el West Ham United, esto el 28 de abril de 1923. Aunque el espacio para la afición parecía suficiente, fueron miles las personas que abarrotaron el estadio hasta el punto de desbordarse sobre la cancha. Un policía de nombre George Scorey cabalgaba sobre un caballo blanco e intentaba empujar a la afición fuera del terreno de juego. Posteriormente se denominó a este evento como “The White Horse Final”.
William Reginald Howe Browne, Wembley (1923)
Este es el evento que inspiró a William Reginald Howe Brown para realizar una pintura. El caballo blanco cuyo nombre era “Billie”, es un elemento importante que apenas se alcanza a distinguir dentro del archipiélago verde que se forma entre un mar de fanáticos. Había espacio para 127 000, pero miles más llenaron las terrazas y se desparramaron por el campo. El PC George Scorey, montado en “Billie”, empujó suavemente a los fanáticos hacia un lado para que el juego pudiera comenzar; el evento posteriormente se denominó “The White Horse Final”. Billie es virtualmente el centro de la pintura de Browne, en el borde superior de la “más alta” de las islas verdes que forman un archipiélago en medio del mar de abanicos. Bolton ganó 2-0. El gran Wembley antiguo fue demolido en 2003 y reemplazado por uno nuevo. El vínculo entre arte y fútbol es muy extenso y apenas estamos repasando el principio de la historia. Muy pronto podrás leer un capítulo más de esta serie de artículos dedicados a los artistas y el balompié. Mientras tanto te invitamos a leer sobre un artista impresionante, sólo tienes que dar clic aquí.
Continuamos con las referencias artísticas en Los Simpson
Esta es la tercera parte de nuestra serie de textos que abordan las referencias artísticas en la serie amarilla. Al contar con un universo de capítulos, resulta muy difícil hablar de todo el arte en los Simpson en una sola entrega. Si bien hasta ahora nos hemos enfocado en capítulos completos que hacen homenaje al arte en varios momentos, ahora es momento de repasar las referencias aisladas que se hacen en diferentes capítulos. Si quieres empaparte mucho más del mundo del arte en Los Simpson, te invitamos a revisar la parte 1 y parte 2 de esta interesante recopilación. Para esta ocasión estaremos repasando material tanto de la segunda como de la quinta temporada.
Las referencias artísticas en Los Simpson: El tributo escénico.
Durante el capítulo 17 de la segunda temporada, el abuelo Simpson tiene un apasionado romance con Beatrice Simmons, una compañera del asilo. El amor se ve truncado por la muerte repentina de ella. Tras este suceso, el abuelo hereda una importante suma económica y decide donarla a quien más la necesite en Springfield. Uno de los momentos más conmovedores en este episodio, sucede con la tristeza evidente y soledad del abuelo Simpson. De ahí sale una imagen que hace referencia a la obra de Edward Hopper, Nighthawks (1942, Art Institute of Chicago, Chicago, IL, USA)
Pinturas en la Casita del Horror
Algo muy característico dentro de la familia más famosa de la televisión, son sus especiales de noche de brujas que ocurren año con año. Para la temporada 5, el quinto capítulo fue el destinado para este especial. En forma de homenaje a una serie de televisión de terror que lleva por nombre “Night Gallery”, Bart cuenta historias de terror acompañado de diferentes pinturas. Dos en especial son una referencia al trabajo de Vincent Van Gogh y Salvador Dalí.
Vincent van Gogh, Self Portrait, 1889, Musée d’Orsay, Paris, France.
Salvador Dali, Sleep, 1937, private collection.
Arte en la familia amarilla 
Uno de los capítulos más memorables de la serie amarilla. Las referencias artísticas de Los Simpson continúan durante el capítulo 18 de la temporada 5, donde un concurso en la radio lleva a Bart a ganarse un elefante. Si bien la historia de este capítulo está dedicada a la conciencia respecto al reino animal, hay un pequeño momento en el que Bart limpia una pintura muy parecida a la obra de Grant Wood, American Gothic (1930, Art Institute of Chicago, Chicago, IL, USA.).
Existen muchas referencias artísticas en Los Simpson, algunas suelen ser muy obvias, mientras otras se elaboran de una forma más compleja a través de tributos escénicos. Recuerda que puedes ver la parte 1 y parte 2 de este tema dando clic en ellas. Para terminar esta publicación es preciso recurrir a las palabras de Bart Simpson en su Guía para la vida.
“Los museos son nuestras salas sagradas de la cultura, pero no les eches eso en cara. Exigen respeto, hombre. Así que la próxima vez que te arrastren a uno de estos viejos basureros polvorientos, recuerda comportarte.”
