Artistas
Street art mexicano: Descubre a estos tres grandes exponentes
El street art mexicano y su historia
El street art en mexicano dista mucho de ser novedoso, pues para poder comprender su relevancia, es necesario remontarnos a la época posterior a la Revolución Mexicana. Cerca del año 1910, el territorio mexicano vio nacer un movimiento pictórico que se denominó como muralismo mexicano. Los murales tenían como propósito ilustrar ideas políticas y sociales que traían consigo la reciente revolución, algo que poco a poco se fue convirtiendo en una manera directa de representar hechos históricos y llevar la identidad mexicana a una población analfabeta en su mayoría.
El street art mexicano y los murales
Conforme fue pasando el tiempo, el muralismo se convirtió en una forma de arte popular, pues cerca de la década de los cincuenta, este estilo comenzó a inspirarse en nuevas temáticas. Actualmente el muralismo mexicano ha logrado encontrar un lugar junto al desarrollo del street art mexicano. Poco a poco el muralismo dejó de ser para unos cuántos, y artistas urbanos de todos lados buscaban ilustrar la Ciudad de México con su obra. Tras combinarse con el muralismo, el arte urbano ha evolucionado hacia un modo de expresión que reúne múltiples técnicas, y muchos artistas mexicanos han resaltado por su estilo innovador, es por este motivo que te compartimos a cinco grandes exponentes actuales del street art mexicano.
David Alfaro Siqueiros,”La Marcha de la Humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos”(1971), ubicada en el Polyforum Siqueiros.
Paola Delfin
Cuando el arte urbano y el muralismo comenzaron a ir de la mano, se hablaba de una generación de artistas post graffiti, una corriente que utiliza técnicas que van más allá de la pintura en aerosol que supone el graffiti tradicional. Paola Delfín es una pintora y muralista autodidacta que forma parte de esta nueva generación. Para ella, existe una gran responsabilidad al tener una forma de expresión que puede alcanzar a miles de personas. Sus obras suelen reiterar la fuerza que tienen todas las mujeres y cómo es que se puede eliminar la brecha que existe entre géneros. Esta representante del street art mexicano, presenta un universo cuya narrativa es contada todo el tiempo con una escala de grises. El trabajo de Paola Delfín puede verse en México, Alemania, Perú y Cuba entre muchos otros.
@paola_delfin es la cuenta donde podrás ver más del trabajo de esta artista.
“Juntos”, @paola_delfin, Rabat, Marruecos. 2021.
Ramsteko
Nerik M. Piedra, mejor conocido como Ramsteko, es un artista urbano proveniente de Tultitlán, Estado de México. Con quince años de trayectoria, el camino de Ramsteko comenzó con un gusto constante por el dibujo, algo que luego fue encaminado hacia el arte urbano por un grupo de amigos al cursar la escuela secundaria. Para este artista hubo un proceso muy difícil debido a sus raíces tan apegadas al street art mexicano clásico y su inquietud por otro tipo de arte. Sin embargo, poder agregar otros materiales ha enriquecido su obra de forma positiva. El trabajo de este artista y cualquier información sobre su obra la puedes encontrar en @ramsteko en Instagram. También te invitamos a decirnos cuál de sus obras mostradas te parece más impresionante y por qué.
“El Libertador”,Homenaje a Simón Bolivar. @ramsteko, Tlajomulco de Zuñiga, Jalisco México.
Topolocko
Hector Pineda, también conocido como “Topolocko”, es un artista plástico y de street art mexicano cuyo origen ocurre en Minatitlán, Veracruz. La obra de Topolocko tiene una influencia expresionista, cubista y surrealista que se nutre de diferentes materiales que lleva a los muros de Veracruz y de todo México. El resultado del artista plástico mexicano normalmente oscila entre la creación de entes que pueden ser personajes deformados u objetos animado, unos seres que el artista gusta llamar “toporochos”. Con líneas erráticas y remarcadas constantemente, los personajes de Topolocko nos lleva a escenarios ficticios donde reina una concepción robusta de los rostros humanos que puede rayar en lo siniestro.
“Toporochos“@topolocko es la cuenta a seguir para ver más del trabajo del artista veracruzano.
Tras una serie de cambios y una generación específica de artistas que significó una ruptura, el arte urbano se ha convertido en una universidad para los que aspiran a hacer muralismo. Hoy el street art mexicano está en manos populares y busca ser un medio de expresión, reivindicación social y protesta. Los artistas antes mencionados utilizan su obra para transmitir mensajes que consideran importantes, temas como la igualdad de género , contaminación y la inocencia son recurrentes dentro de las expresiones que se encuentran en el lienzo urbano. Si conoces a algún otro representante del street art mexicano que te haya encantado con su trabajo, puedes compartirnos su información en los comentarios. También puedes saber más sobre Ramsteko y Topolocko haciendo clic en sus nombres.
El arte LGBT+ y el orgullo
El arte LGBT+ tiene lugar en México desde la década de los 80. Con el pretexto de celebrar el amor y estar orgullosos de quienes somos, hoy te mostraremos parte del talento artístico que podrás encontrar dentro de la comunidad LGBT+ mexicana. Como el catálogo histórico de creadores con esta característica es muy diverso, es preciso hablar tanto de un artista del pasado, como de dos contemporáneos.
Julio Galán, un artista histórico
Me quiero morir (1985), Colección Particular
Julio Galán(1958-2006) fue un creador de arte LGBT+, conocido por su personalidad excéntrica y por ser un exponente del neomexicanismo. Se trata de un movimiento artístico que se caracterizó por la recuperación de los símbolos del país, pero con estética kitsch.
Mientras Me Despierto (1985)
Nacido en Coahuila, pero radicando en Monterrey, Galán innovó a los 20 años con una obra de recursos poco usados. Dicha pintura mostraba la subversión del estereotipo del hombre mexicano. Uno de los aspectos que más se conoce sobre la vida de Julio Galán, es que vivió en Nueva York, algo que le permitió entablar una amistad con Andy Warhol.
Cuatro Palabras(1999)
Arte LGBT+ popular con Fabian Chairez
Fabian Chairez (@fabian_chairez)es un artista chiapaneco contemporáneo, popularmente conocido por una representación de Emiliano Zapata a caballo, desnudo y con tacones. Y aunque su obra es mucho más que una pintura polémica, es importante mencionarla, pues se expuso en el Palacio de Bellas Artes.
Así como el controversial Zapata, la obra de Cháirez gira en torno al cuerpo masculino y el mundo LGBT+. Su idea es plasmar un cuerpo que se sale de arquetipos y estereotipos. De esta manera el artista pone en posturas sugerentes a luchadores, pandilleros, charros y narcotraficantes. Sin duda un fuerte mensaje que busca responder al entorno hostil de la diversidad sexual.
Mario Mucho, un ilustrador orgulloso
Mario González González, mejor conocido como Mario Mucho(@mariomucho), es ilustrador y artista conocido por su particular estilo. El trabajo de Mario refleja un cariño inminente que nos lleva a reflexionar sobre la discriminación. 
La ilustración de Mario mucho va más allá de simplemente hablar de amor y homoerotismo, pues también aborda problemáticas sociales como la pobreza, migración y explotación de recursos naturales entre otros. Para Mario es importante mostrar diferentes cuerpos que se representan erotizados, esta es la base de la críticas sociales en su obra.
El arte LGBT+ cuenta con muchos representantes tanto a nivel internacional como nacional, por lo que es importante reflexionar sobre el valor los diferentes mensajes sociales que abordan. Por lo pronto te recomendamos seguir la actividad de estos artistas mencionados. Por otro lado, si quieres conocer a más artistas mexicanos con un estilo alucinante, te recomendamos dar clic aquí.
El arte expresivo y la historia de Luis Fernando Zánches
Luis Fernando Zánches (@lf_zanches) es un exponente del arte expresivo en la Ciudad de México. Las obras de este joven artista traen consigo un par de lecciones a las que muchos deberíamos poner atención. Si bien su vida estuvo rodeada de arte desde muy temprana edad, Zánches tuvo que pasar por todo un proceso para darse cuenta que debía volcarse hacia las creaciones artísticas. En la parte académica Luis Fernando era un típico caso de niño distraído que no se podía adaptar al modelo educativo tradicional. Sin embargo, la falsa convención del deber ser lo llevó a forzar su camino hacia la carrera de derecho.
Aquí se vislumbra la primera lección, pues si él hubiera dejado que el entorno social lo dirigiera, hoy no habría un artista del cual hablar. Siempre es importante tener en cuenta que si a un niño no le va bien en la escuela, esto de ninguna manera define lo que será el resto de su vida. Simplemente hay que poner atención en sus posibles talentos a desarrollar y entregarle la confianza para hacerlo.
El despertar del arte de Zánches en una cafetería
Tras haber concluído con su carrera en derecho, Zánches pudo conocer el ambiente laboral de los abogados, algo que lo hizo cuestionarse si realmente eso era lo que quería hacer por el resto de su vida. Con miedo e incertidumbre, el en ese momento futuro creador decidió renunciar para buscar algo que lo motivara de verdad. La prueba y error lo llevó a conseguir otro trabajo modesto en una cafetería en el Reino Unido. 
Durante este periodo, la compañía de una libreta de dibujos le ayudaba a matar el tiempo. Fueron las reacciones positivas de los clientes, los que le hicieron ver que podía haber algo especial en sus trazos. Es de esta manera como las mangas de cartón para no quemarse con el café, pasaron a ser intervenidas por el artista y firmadas con su cuenta de Instagram. Al poco tiempo, una galería local lo buscó para ofrecerle exponer su trabajo.
Con lo anterior aparece la segunda lección que nos deja Luis Fernando: Nunca es tarde para ir en busca de tu lugar en este mundo. Aunque a veces no se tenga claro el camino a seguir, estar abierto a nuevas posibilidades tarde o temprano te ubicará en donde quieres estar. Al regresar a México este creador se dedicó a estudiar técnicas mixtas y a perfeccionar su estilo.
Hoy dentro del arte expresivo de Zánches (@lf_zanches) se puede encontrar el dibujo, la pintura, el arte-objeto, la intervención fotográfica y el arte digital. Pasando de los dibujos caricaturescos al realismo, la nueva esencia de este artista agrega experimentación para crear personajes abstractos a los que él mismo nombra como monstruos. Hay muchos artistas mexicanos que destacan en su disciplina, si quieres conocer a otro talento de éstos, te recomendamos entrar aquí.
El Surrealismo Mexicano de Carrington
Leonora Carrington(1917-2011) fue una pintora británico-mexicana, pionera del surrealismo mexicano, feminista y fundadora del Movimiento de Liberación de La Mujer Mexicana. La obra de esta artista abarca escultura, pintura y escritura. La visión de Leonora en los distintos campos artísticos, provocó que el simbolismo femenino fuera reinterpretado dentro del movimiento surrealista. Si bien el nacimiento de Carrington sucedió en Inglaterra, la naturalización como mexicana fue un paso lógico. A fin de cuentas, Carrington pasó la mayor parte de su vida en México y su obra es resultado de una exploración de materiales suscitada en tierra azteca. Por otro lado, su relación sentimental con el creador cubano Max Ernst y colaborar con artistas como Remedios Varo, también fue fundamental para el desarrollo en el estilo de Carrington.
Retrato de Max Ernst (1936), Leonora Carrington
Surrealismo mexicano: Leonora Carrington y sus primeros años
Leonora Carrington tiene un estilo artístico muy atrevido y extraño. Como ya se ha anunciado, el camino de Leonora Carrington está cargado de surrealismo. Nacida en una rica familia británica, la primera pintura de Carrington ocurrió a los diez años de edad. Tras su acercamiento con el arte, no tardó mucho para que la joven artista decidiera rebelarse contra el status quo y dejar su vida refinada para dedicarse al arte. En el proceso de Leonora, las experiencias surrealistas iban desde huir de los nazis en Francia, y hasta pasar un periodo de tiempo en instituciones mentales. La inspiración para el surrealismo mexicano posterior se estaba gestando durante esta época. Tras estos sucesos tempranos, Leonora Carrington comenzaría su incursión en el surrealismo como corriente artística y literaria.
Autorretrato (1937-38), Leonora Carrington
La obra de Carrington en México
Para 1939, Leonora ya había inclinado su vida por una carrera artística con apoyo moderado por parte de su madre y nulo por el lado de su padre. Aún así Carrington ya había dado sus primeros pasos en el surrealismo, pues su relación con Max Ernst había terminado. Durante su unión con Ernst, Leonora pudo familiarizarse con la obra de otros artistas surrealistas como Salvador Dalí, Joan Miró o Marcel Duchamp. Tras su relación con Ernst, Leonora fue internada en una institución mental por parte de sus padres. En un intento por huir, la artista se refugió en la Embajada Mexicana en Lisboa. Fue en ese momento cuando Carrington conoció al embajador y amigo de Pablo Picasso. Se trataba de Renato Leduc, quien se casó con Leonora y la llevó a México para darle la protección necesaria al ser esposa de un diplomático.
Cocodrilo (2000), Leonora Carrington
Para 1943, Leonora Carrington ya amaba el surrealismo mexicano, algo contrario a lo que sentía por Leduc y que provocó su divorcio. Fascinada por la historia, las tradiciones y el folklore mexicano; Carrington adoptó su nueva cultura. Es a partir de este momento cuando se le comienza a considerar una artista mexicana. La intromisión en el surrealismo mexicano llevó a Carrington a crear grandes obras como el mural “El Mundo Mágico de los Mayas” (1963), hecho para el Museo Nacional de Antropología. Durante este momento Carrington también comenzó a resignificar la figura femenina en sus obras, así como también fundar los primeros movimientos feministas en el país. La historia de Leonora Carrington y el surrealismo mexicano es fascinante, si quieres leer más sobre artistas, te recomiendo dar clic aquí.
El mundo mágico de los Mayas (1963), Leonora Carrington
